Name: 藝術中的精神（全新修訂版）
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內容簡介

　　「藝術的內在因素，即情感，必需存在；否則藝術作品就變成了贗品。內在因素決定藝術作品的形式。」——康丁斯基。

　　現代藝術理論的經典文獻之一
　　《藝術中的精神》是康丁斯基於1911年發表的第一本著作，主要闡述他抽象藝術的理論，他運用身心二元論的觀點來描述藝術，認為『精神』是藝術的根本，物質只是真實世界中上的一層面紗，一般人僅能透過面紗才能看見當中的精髓。

　　他所關注的是精神
　　康丁斯基認為：藝術作品的目的是「喚醒心靈，體驗物質及抽象現象背後的精神實質。」（這背後的精神，接近於真正的宗教體驗。－－卡斯比特）

　　由此更進一步，則「超越」成了無可迴避的議題，「超越」是藝術追求的終極目標。

　　康丁斯基曾說：物質主義如噩夢般橫行多年，掌控心靈，把人類生活捲入邪惡、無聊的玩樂漩渦。這是百年前的嘆息，他感慨藝術精神的淪喪；但反觀今日，我們似乎並沒有掙脫這漩渦，而是墮落地更徹底了。

　　全書雖然篇幅短小，但字字擊中要領，為現代抽象主義藝術和設計奠定了堅實的美學基礎。

　　其基本念之一是要摒棄傳統造型藝術中的物象限制,解放視覺元者，《藝術中的精神》的成書在各類前衛藝術思潮中脫穎而出，並成為極具前瞻性的理論，不但直接影響到隨後創立的包豪斯學校的藝術教育理念，更對20世紀眾多藝術流派比如結構主義、抽象表現主義等產生了廣泛而深遠的啟蒙作用。

　　本書上半部探討藝術與社會文化、藝術與人類精神的關係，以及當時社會中藝術精神面臨的危機。

　　下半部說明純粹的繪畫形式和繪畫精神問題，並闡述現代現代色彩構成和平面構成的基本概念。

作者介紹

作者簡介

康丁斯基（Wassily Kandinsky, 1866 - 1944）

　　俄國人，早年在莫斯科念法律和經濟，並獲教授職；30 歲後赴慕尼黑習畫，且創立了「藍騎士」社團，又在包浩斯學校任教，直至該校被納粹關閉為止；之後，再轉往巴黎，專心從事抽象繪畫創作。

　　康丁斯基是現代抽象表現主義藝術的實踐和理論先驅，既是藝術家，又是理論家。

　　康丁斯基著有《藝術中的精神》、《點線面》等書，是現代藝術理論的經典文獻。

譯者簡介

余敏玲

　　畢業於廣州美術學院藝術史論系，曾任職於當代藝術畫廊，從事展覽和交流工作。

序

序言

重溫藝術中的精神
唐納德．卡斯比特

　　康丁斯基的《藝術中的精神》一書問世已近一世紀，今日舊作新讀，意義何在？

　　有歷史的意義，更有現實的意義。歷史上，本書影響現代藝術百年，振聾發聵，惠澤深遠；現實中，藝術面臨康丁斯基時代同樣的窘境，在「內在生命」和「內在驅力」上失語，精神內涵闕如。

　　其實康丁斯基時代的窘境還遠不如今日嚴重。彼時，說「精神」，聽者尚且心領神會，今日，說「精神」，聞者卻不知所云。和如今不同，當年康氏的「精神」，乃是有宗教作支撐的「精神」。所以，他談藝術的體驗，盡可以說「滿紙鐘音」，談朝聖的經歷，也可以說「一堂畫意」，聽者自明其意，不以為奇。

　　是東正教的鐘音，還是天主堂的畫意？不要緊。要緊的乃是同樣的精神體驗。莫斯科的教堂，雅典的神廟，或是長安的佛塔，都曾凝結著藝術化的宗教體驗，以及宗教化的藝術體驗。在那時，宗教體驗和藝術體驗，絲絲入扣、水乳相融。教堂是充滿藝術的教堂，藝術是裝飾教堂的藝術。神殿巍峨，四壁油彩，朝聖者眼觀之，心動之，感覺與心靈，色彩與情感，乃自成一體。外在可見之色彩，是內在不可見之精神的自然顯現。精神要有色彩作外衣，才得以彰顯力量，而色彩要有精神作內涵，才得以飽含意蘊。所以，康丁斯基力主，色彩和情感應有必然的合力，甚至這必然的合力，是出於本質的關聯，而非一般可有可無的文化聯想。

　　《藝術中的精神》成書於1911年，《藍騎士》年刊（Blaue Reiter Almanac）次年面世。憑藉它們，康丁斯基及其同道們讓讀者明白，他們的目的乃是「喚醒心靈，體驗物質及抽象現象背後的實質精神」。這種「背後的精神」，接近於真正的宗教體驗。而真正宗教的體驗，又是純粹的內心體驗。人們去教堂，投身安寧世界，坐忘塵世形色，自然會與心靈靠近。而康丁斯基堅信，抽象的繪畫，若能使人忘乎「萬象虛表」併入「幽深心田」，亦會有此良效。他相信，藝術作品的關鍵，不在其物理外表，而在「情致」（mood）和「精神氛圍」（spiritual atmosphere）。所以，看畫的關鍵，也不在肉眼，而在「心眼」（spiritual eye）。肉眼只見外形，心眼才見精神，所以康丁斯基曾寫道：「爾等看畫，要看到象外之旨（what lies behind the painting）。」

　　藉由《藝術中的精神》，康丁斯基嘆惜，物質主義（materialism）如噩夢般橫行多年，掌控心靈，把人類生活捲入邪惡、無聊的玩樂漩渦。今日重溫其言，我們更當嘆惜，今人非但未從物質主義中警醒，物質主義噩夢反而深入藝術和社會的骨髓，並成為主流意識形態。康丁斯基把印象畫派（Impressionism）看作物質主義藝術的集大成者，可歎他還未有機會一睹今天的波普藝術（Pop Art）。今天的波普藝術家們，把傳媒藝術的地位抬高，並奉為主流藝術，並借此大行諷刺（Irony）之能事。然而，各位留意，他們的諷刺，徹頭徹尾都是對物質主義的諷刺，絲毫難見康丁斯基式的精神火花。

　　試問讀者，在波普藝術家安迪．沃荷（Andy Warhol）的傳媒模特兒上，你能見到什麼精神火花呢？康丁斯基關注藝術的內在生命，乃是因為這種關注能使人警覺到物質主義生活的惡性情感效果，從而以批判的視角，達到情感的昇華。而波普藝術素來不相信任何內在的東西，更休提內在精神了，所以它的諷刺手法，充其量也是表面的批判。這種諷刺，為物質主義添了些佐料，使之看起來似乎不那麼媚俗或老套，甚至頗有前衛藝術（avant-garde）的氣派，其實卻不過是虛有其表。其實，波普式的諷刺，本身就是對信仰的諷刺，與真正的精神內涵格格不入。

　　這種內涵淺薄的諷刺，在當代藝術圈蔓延，最後成為物質主義文化的一記標籤，這本身就是一個莫大的諷刺！我們的物質主義社會發現，不斷地諷刺自己，真不愧是一件好事，畢竟，有了自我嘲諷，人就不用費心於自我改變。於是乎，諷刺成為一種時髦，人人趨之若鶩。又有誰還記得，如今流於時髦的諷刺伎倆，曾經真的是前衛藝術家們，例如：瓊斯（Jasper Johns）用來針砭社會的精神武器。

　　康丁斯基在他一篇文章〈新藝術何為？〉（Whither the ‘New’Art？）中曾經說過，現代物質主義的重要表徵之一，是對技術革新以及由其帶來的物質便利的沉迷。可歎他還未有機會一睹今日我們對無所不能的技術浪潮的盲信，一睹今日社會物質財富的過度豐裕。我甚至懷疑，當代藝術圈已經被物質主義徹底征服，而要在當代藝術裡尋求精神意義，不亞於在大海撈針。當代藝術不屑於表達所謂的精神，也不敢於迎頭棒喝、點化世人。用康丁斯基用過的另外一個理念來說，當代藝術與「崇高」（the Sublime）無緣，與觀眾內心的震撼也無緣。

　　自康丁斯基時代以來，物質主義爆炸式地增長，席捲藝術圈。到如今，它在藝術圈已有了明確的商業意識形態，表現出來的就是藝術家對公司資助的渴望。對很多人來說，藝術的意義，全在於是否獲得企業界首肯。於是乎，藝術品成了商品，商品身份成了藝術品的首要身份，市場價值成了藝術品的首要價值。如此，藝術以迎合外在目的為己任，誰要奢談藝術作品的「內在驅力」，當然是不合時宜且流於迂蠢了。這類有關精神的迂談，也就越來越陌生，越來越讓人難懂。儘管一些藝術家如羅斯科（Mark Rothko）和紐曼（Barnett Newman）還在堅稱，他們的作品意不在物質，而在精神，他們不是色彩的調理師，而是精神的挑戰者。但是有多少人真正去聆聽呢？

　　（未完待續）

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